Paisaje

Trabajo que consistía en utilizar distintos tipos de patrones, imitando la imagen de un paisaje. Preocupándose también de la luz y sombra

Libro de texturas

Este trabajo se trataba de separar texturas por su tamaño, densidad y orden, tuvimos que plasmar la textura en las hojas de mantequilla con carboncillo apoyando la hoja en la textura que quisiéramos copiar.....mucho trabajo....pero divertido. Las fotos que puse son de algunas texturas elegidas y fueron las que mas me gustaron.

Estas fueron separadas a si:

Línea Densidad - Tamaño - Dirección
Punto Densidad - Tamaño - Dirección
Plano Densidad - Tamaño - Dirección

Texturas

La textura como elemento básico

La textura, aporta al diseño , una mirada o una sensación, o una superficie. Diariamente encontramos gran variedad de texturas, por todo el entorno que nos rodea. La textura ayuda a crear un humor particular para una disposición o para otras en formas individuales.La textura, permite crear una adptación personalizada de la realidad añadiendo dimensión y riqueza al diseño.Exiten dos tipos de textura: Táctil y visual.

Textura táctil y visual

Textura táctil: Por ejemplo la de una superfície rugosa, con relieve o la de otra más fina como la de un papel, o la suavidad del terciopelo. Són todas aquellas perceptibles al tacto.

Textura Visual: Aquellas texturas impresas que se parecen a la realidad, como la arena, las piedras, rocas. Entre esta clase de textura, pueden surgir texturas que realmente existen y otras que són irreales.

Textura mosaico o patrón

Un patrón o mosaico, sería un tipo de textura visual. Cuando una imagen o una línea del tipo que sea, se repite muchas, acaba creando una textura visual.Un ejemplo de ello serían los patrones de luces, que en de la oscuridad agregan dimensión a una superficie.El papel que se envuelve, es un buen ejemplo del patrón. Los patrones pueden hacer fondos.

Yellow Submarine

Esta es la cuarta entrega cinematográfica que hicieron The Beatles, se estreno el 6 de junio de 1968


Pero con la diferencia con las otras tres anteriores que esta es de dibujos animados, la cual fue concebida y dirigida por George Dunning. La aportación de los Beatles a la misma, son las canciones y una pequeña aparición al termino de esta película.






Sinopsis

Los Beatles se embarcan en un submarino amarillo hacia Pepperland, una comunidad invadida por la armada de los Blue Meanies. Deben liberarla de estos malvados y devolver a sus habitantes la música y la alegría. El manejo del color y el encanto del arte pop hacen que la tercera película del grupo de Liverpool sea una fiesta.

Analisis

La película Yellow Submarine es un conjunto de imágenes a través de una perspectiva conceptual dentro de un desarrollo basado en colores psicodélicos, formas y estructuras podemos ver claramente los ideales de la época el hipismo, lo sicodélico, LSD, etc. hay un mensaje fuerte de no a la guerra y si a la paz. En la película En cuanto a los colores, estos son muy vivos, fiel representante de lo sicodélico, las líneas son más bien curvas y despreocupadas, en escasos objetos o lugares son rectos, las proporciones también son despreocupadas.

Paperland trata de representar al mundo en un modo de vista 70’s personajes abstractos y extravagantes que burlan la realidad con características fantásticas, ejemplo los blue opacan al mundo quitando la vitalidad que entrega la música. La música es el método de expresión de los personajes, expresión que se le es extraída, arrastrando a los seres al vacío. Dentro de este escenario aparece el submarino amarillo, que cumple la función del transporte que traerá la salvación. El submarino tiene la cualidad de unir los dos paralelos, la psicodélica con la realidad, monótona, autoritaria y en conflicto trabajando con la ironía.

En ésta década surge el arte psicodélico y el Pop- Art que quiere decir "manifestaciones del alma", alteración de la percepción del tiempo y ofrece una vía de escape de los límites de la conciencia y la vida diaria y se contrapone o modifica la realidad. Esto influye en la película, y lo evoca tanto en la idea como en la estética, lo que se ve en el viaje en un mundo irreal y en la utilización de los colores y formas.

Los cuatro grandes de Liverpool aparecen en casi todo el film bajo la forma de dibujos animados y recién sobre el final de la historia logran poner sus verdaderos rostros, desplegando un juego entre realidad y ficción más que interesante.

Cuadro de monet

Jueves 24 de Abril

La idea de este trabajo era copiar el cuadro de Monet(pintor impresionista)a traves de la observación del color

Este trabajo fue muy cuatico ya que cuando empezamos me reí mucho en vez de avanzar el trabajo.........con la Cari y la Nina jajajajaajaj; Aparte miraba que miraba el trabajo y no hallaba como empezarlo..........
El fin de semana ya empecé, enfermita.....encontré como formar y pegar cada pedazo de mi trabajo me saque un 55.

Impresionismo

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa principalmente en Francia caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Impression: soleil levant, 1872–1873. Cuadro al que debe su nombre el movimiento.Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

Monet Impression: soleil levant, 1872–1873. Cuadro al que debe su nombre el movimiento.

Técnica y estética impresionista

Colores puros

La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir creando ilusión de sombra y profundidad. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruán de Claude Monet al lado. Este uso de los colores sería absorbido después por las primeras vanguardias, especialmente por el fauvismo de Matisse o Gauguin

Claude Monet, Catedral de Ruán. En la entrada principal de la catedral distinguimos azul ultramar y violeta para las sombras (colores más saturados que la parte superior, más iluminada) al igual que naranja dentro de la misma zona de sombra para definir los reflejos en la oscuridad.

Pincelada gestáltica

Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto al ser percibidas global y unitariamente adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac.

Claude Monet, Parlamento de Londres. Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a una visión unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos.

Seurat, La Parade. Los neoimpresionistas llevaron al extremo esta pincelada gestáltica, en este caso en forma de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios.

Forma

La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, a iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.

Auguste Renoir, La Balançoire. La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la descripción de su forma.

Variantes en la estética impresionista

No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet fueron realizadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas ironías y contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez.
Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar Degas, con una pintura difícil de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes mezclas de categorías, sus influencias poco convencionales y, sobre todo, su tan traída y tan llevada «frialdad», aquella fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de su infatigable poder de deliberación estética.
De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia.
Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.
Sin duda, Camille Pisarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un pintor más tonal que esencialmente colorista. Pero, decano del Impresionismo, tuvo un importante papel como conciencia moral y guía artístico.
Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley, influido por ambos. Durante toda su vida siguió fielmente las directrices de los impresionistas pero nunca llegó a abandonar «la caza del motivo» y siempre se dejó llevar espontáneamente, con una facultad de comunicación directa, por un Romanticismo subyacente y lleno de poesía.
Recordando siempre que la primera manifestación oficial del impresionismo fue la exposición organizada en 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar, al margen del Salón oficial, por un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley), cuyas obras motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público. Un cuadro de Monet, Impresión, sol naciente, motivó la denominación «impresionismo», creada con intención peyorativa por el crítico Leroy. Esta primera muestra fue el punto de llegada de un período de formación iniciado unos quince años antes por un grupo de artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guillaumin, Monet, Renoir, Sisley, Bazille), quienes, interesados en romper con los planteamientos pictóricos tradicionales y a partir de las innovaciones de Corot y de los paisajistas de la escuela de Barbizon, se centraron en la pintura al aire libre y buscaron el plasmado cambiante de la luminosidad de los paisajes y de las figuras humanas. Durante este período inicial fue fundamental la figura de Manet, quien, con La merienda campestre y con Olimpia, se convirtió en el abanderado del antiacademicismo. Tras la primera exposición, los impresionistas reunieron sus obras en siete ocasiones más (1876, 1877 —que plasmó el momento de mayor cohesión del movimiento—, 1879, 1880, 1881, 1882 y 1886), a lo largo de las cuales dejaron de participar algunos de los artistas pioneros (Cézanne, Monet, Renoir, Sisley) y se añadieron nuevos nombres (Cassatt, Gauguin, Redon, Seurat, Signac). Las primeras publicaciones importantes sobre la nueva tendencia fueron los artículos de Zola (en L'Évènement) y de Castagnary (en Le Siècle), La nouvelle peinture (1876), de Duranti, y la Historia de los pintores impresionistas (1878), de Duret. El impresionismo creó escuela también en otros países europeos; son de destacar Zandomeneghi en Italia; en España, Regoyos, finales de 1915, Eugenio Hermoso, La Juma, la Rifa y sus amigas, y 1920 por Sorolla y por último, mucho más tarde y tímidamente en 1988, con el pintor Estéfano Viu; Claus en Bélgica, Grabar e Isaac Levitán en Rusia, Steer y Sickert en Gran Bretaña y Sargent, Hassam y Twachtman en EE UU.
Tenemos que recordar que también implicó a los músicos impresionistas, frente al dramatismo de los románticos, trataron de aludir más que de afirmar y se expresaron más por medio de la disociación armónica y del timbre y del color de los instrumentos que por medio de la melodía. Sus máximos representantes fueron C. Debussy y M. Ravel, aunque también estuvieron influenciados por esta técnica autores como P. Dukas, F. Delius, A. Caplet, F. Schmitt o R. Vaughan Williams.

Saturacion de los colores...............

10 de Abril del 2008 (Foto sacada por Carolina G.)

En este trabajo se creo la idea de saturar los colores a través de los objetos a si formando en una tela de 1m de ancho x 1m de largo una variedad de colores la cual yo la hice en una gama de azules.

Para empezar yo busque algunos de estos objetos en mi casa, luego de avanzar el trabajo me di cuenta de que me faltaban muchas cosas a si que les pedí a mis compañeras que me prestaran objetos de colores azules y celestes

Y es aquí el final y en lo que quedo mi trabajo le puse desde boletas, tapas de bebida, mostacilla, esponjas etc.

Me saque un 7.0 de verdad que vale la pena esforzarse tanto estuve horas haciendo este trabajo hasta incluso me acuerdo que no almorcé ese dia................... estoy feliz............

Autobiografia a través de los colores

Lunes 31 de marzo

El trabajo consistía en representar tu vida a través de objetos con colores que significaran algo para tí e iba acompañado con una presentación donde se tenía que explicar el trabajo.

Para mi trabajo empecé buscando en casa objetos que identificaran mi niñez, pero no los encontré ya que los cambios de casa hicieron que se perdieran muchos objetos importantes para mi, a si que con lo que encontré realice mi trabajo. Empecé con mi pasión por los autos haciendo unos collage de estos, aparte de otro que tenia todo relacionado con la gamma de colores celestes puse un catalogo de mi viaje a Brasil, fotos de mi mamá y mi papá, un basurero representando la idea de que yo no tenia objetos que me representaran ya que todos ellos están en la basura, y un delfín de madera por que es mi animal favorito.

En este trabajo estuve súper ansiosa tanto que me jugo en contra porque cuando llego el momento de explicar todo, me puse nerviosa y explique puras tonteras, Me fui mucho por la onda de los autos en fin no explique nada de mi Autobiografía y menos de los colores solo dije que me gustaba la gama de los azules, después me di cuenta que tenia el medio discurso pero no lo pude decir ya que estaba tan nerviosa que no me salían las palabras, me saque un 4.0.

Esta foto esta dentro de unos collage que hice para mi trabajo , la puse ya que me gusta mucho sobretodo por los colores que se forman. .